La vida útil


Título: La vida útil

Año: 2010

País: Uruguay

Director: Federico Veiroj

Guión: Inés Bortagaray, Gonzalo Delgado, Arauco Hernández Holz, Federico Veiroj

Intérpretes: Jorge Jellinek, Manuel Martinez Carril, Paola Venditto

Puntaje: 6

Nos encontramos con una peli modesta e intimista. Una historia sencilla, personajes simples (quizá poco explorados), y una mirada hacia el cine, algo nostálgica y referencial, que es, al menos para mi, lo fuerte del filme.

La peli sigue la vida de un hombre que trabaja para una filmoteca y cine de barrio, que esta en serios problemas económicos y debe cerrarse, por lo que el hombre queda sin trabajo. La línea argumental es bastante básica y se sigue de la misma manera a lo largo del metraje, pero es rica en encuadres “cortados”, primeros planos, planos con poco movimiento y ritmo lento (ahondando en esto intimista que tiene la peli), y en otros simbólicamente bellos (como los caballitos en la pared). Además, la nostalgia que transmite ese viejo cine, hoy que todos estamos acostumbrados a las multisalas, no puede más que generar fascinación en los amantes del séptimo arte.


A su vez, tenemos esto del cine empleado en la vida real, como un ida y vuelta (el cine retrata o dice algo de la vida, decía no sé quién; y esto es usado por el protagonista).
Se extraña eso si, algo más de profundidad, que podrían haber hecho el ritmo lento algo más llevadero.

No es una gran película, pero si es una peli que merece un visionado, aunque más no sea para contemplar ese viejo cine, esos estantes repletos de películas que todos querrían tener en su casa :D y ese sistema de cine barrial que esta quedando cada vez más obsoleto.

Filmado en blanco y negro, como no podía ser de otra manera. Con, como ya dije, algunos planos geniales. Otros toscos, a propósito. Y unos personajes, tan raros, tan ensimismados, que por momentos se dificulta sentirse parte del filme y de lo que les pasa.


Para los más entendidos, la peli contiene referencias a películas (yo solo capte algunas y otras se notan que deben significar algo, por como viene la trama: el personaje toma del cine para su vida real); y además se habla bastante de qué es cine, qué importancia tiene una peli, cuando una peli es buena o no, y otras cuestiones técnicas, que serán de agrado filosófico (y técnico) para todo aquél que ha pensado en estos parámetros objetivos/subjetivos con los que se considera una película. Todo esto esta inmerso en el guión de manera apropiada: a través de problemáticas con los proyectores, los personajes nos dan un mini repaso, o racconto de los tipos de proyectores (que el que de eso no entiende nada como yo, al menos le servirá para entender que la cosa tan simple que puede parecer proyectar una peli, no es tan así como soplar y hacer botella).

Así que desde aquí, se recomienda que la vean, no tanto por el resultado final y completo, sino más bien por sus partes, que contienen muchas cosas agradables para los amantes del cine.
Aprueba, y le encontrarán cosas lindas, de eso, seguro. Ya me dirán.

Qué estuvo pasando con la peli a nivel premios:
Fue preseleccionada por Uruguay para el Oscar a Mejor peli de habla no inglesa (2010).
Obtuvo el premio a Mejor actor (Jorge Jellinek) en el Bafici 2011.
Y el premio a Mejor Director en Valdivia 2010. 

Título: La vida útil

Año: 2010

País: Uruguay

Director: Federico Veiroj

Guión: Inés Bortagaray, Gonzalo Delgado, Arauco Hernández Holz, Federico Veiroj

Intérpretes: Jorge Jellinek, Manuel Martinez Carril, Paola Venditto

Puntaje: 6

Nos encontramos con una peli modesta e intimista. Una historia sencilla, personajes simples (quizá poco explorados), y una mirada hacia el cine, algo nostálgica y referencial, que es, al menos para mi, lo fuerte del filme.

La peli sigue la vida de un hombre que trabaja para una filmoteca y cine de barrio, que esta en serios problemas económicos y debe cerrarse, por lo que el hombre queda sin trabajo. La línea argumental es bastante básica y se sigue de la misma manera a lo largo del metraje, pero es rica en encuadres “cortados”, primeros planos, planos con poco movimiento y ritmo lento (ahondando en esto intimista que tiene la peli), y en otros simbólicamente bellos (como los caballitos en la pared). Además, la nostalgia que transmite ese viejo cine, hoy que todos estamos acostumbrados a las multisalas, no puede más que generar fascinación en los amantes del séptimo arte.


A su vez, tenemos esto del cine empleado en la vida real, como un ida y vuelta (el cine retrata o dice algo de la vida, decía no sé quién; y esto es usado por el protagonista).
Se extraña eso si, algo más de profundidad, que podrían haber hecho el ritmo lento algo más llevadero.

No es una gran película, pero si es una peli que merece un visionado, aunque más no sea para contemplar ese viejo cine, esos estantes repletos de películas que todos querrían tener en su casa :D y ese sistema de cine barrial que esta quedando cada vez más obsoleto.

Filmado en blanco y negro, como no podía ser de otra manera. Con, como ya dije, algunos planos geniales. Otros toscos, a propósito. Y unos personajes, tan raros, tan ensimismados, que por momentos se dificulta sentirse parte del filme y de lo que les pasa.


Para los más entendidos, la peli contiene referencias a películas (yo solo capte algunas y otras se notan que deben significar algo, por como viene la trama: el personaje toma del cine para su vida real); y además se habla bastante de qué es cine, qué importancia tiene una peli, cuando una peli es buena o no, y otras cuestiones técnicas, que serán de agrado filosófico (y técnico) para todo aquél que ha pensado en estos parámetros objetivos/subjetivos con los que se considera una película. Todo esto esta inmerso en el guión de manera apropiada: a través de problemáticas con los proyectores, los personajes nos dan un mini repaso, o racconto de los tipos de proyectores (que el que de eso no entiende nada como yo, al menos le servirá para entender que la cosa tan simple que puede parecer proyectar una peli, no es tan así como soplar y hacer botella).

Así que desde aquí, se recomienda que la vean, no tanto por el resultado final y completo, sino más bien por sus partes, que contienen muchas cosas agradables para los amantes del cine.
Aprueba, y le encontrarán cosas lindas, de eso, seguro. Ya me dirán.

Qué estuvo pasando con la peli a nivel premios:
Fue preseleccionada por Uruguay para el Oscar a Mejor peli de habla no inglesa (2010).
Obtuvo el premio a Mejor actor (Jorge Jellinek) en el Bafici 2011.
Y el premio a Mejor Director en Valdivia 2010. 

Spider


Título: Spider.

Año: 2002

País: Cánada.

Director: David Cronenberg

Guión: Patrick McGrath (Novela: Patrick McGrath)

Intérpretes: Ralph Fiennes, Miranda Richardson, Gabriel Byrne, Lynn Redgrave, John Neville, Bradley Hall, Gary Reineke, Philip Craig, Cliff Saunders, Tara Ellis, Sara Stockbridge, Arthur Whybrow

Puntaje: 8



 
Esta es de esas pelis de las que no tenía ni idea y apareció entre tantos click que hago en nombres de directores, actores, etc.
Podría decir que es una película entre misteriosa y psicológica. Lo que esta a mi parecer muy bien armada es la estructura al narrar la historia. Como nos van metiendo en el mundo de ese personaje principal (y casi el único) tan misterioso, que en un primer momento no entendemos ni quién es ni qué le pasa. Su actitud es por demás intrigante, interesante. La actuación es soberbia. Creo que sin una actuación de este nivel, la peli caería en picada, porque es el punto central de toda la historia y su caracterización y el modo de llevarla del actor es sumamente esencial para conseguir el propósito de, no solo empatizar con él, preocuparnos por él, sino también, y sobre todo, de querer saber más.


Pero ese protagonismo no es merito solo del guión y el actor, los espacios juegan un papel muy importante, lugares lejanos, cuasi despoblados (salvo el bar), con poca concurrencia, edificaciones grandes y antiguas, descampados, etc. Eso aporta un plus sombrío, de incertidumbre, colaboran con la caracterización y el misterio de este personaje que nos mantendrá atentos de sus particulares características y sus recuerdos.


En forma breve vamos a decir ahora de qué se trata: un hombre llega a una institución psiquiatrica, con un andar y características algo retraído y raro, y no se sabe bien qué tiene ni qué le pasó. A lo largo de la peli lo vemos recordar por momentos, y anotar compulsivamente en una libretita vieja, como si de armar un rompecabezas se tratara.


De esas pelis que al finalizar uno va para atrás y analiza. De esas que quedas maravillada con la actuación. De esas pelis, que funcionan bien, porque están bien hechas. Así de simple.
Recomendada. Ya me dirán.


Plus de premios:
Mejor película en el festival de Toronto. Mejor Director en el festival de cine fantástico de Sitges. Y nominada a la palma de oro en Cannes. ¿Qué tal? Y si no es por andar webeando, ni me enteraba de esta peli :D

Título: Spider.

Año: 2002

País: Cánada.

Director: David Cronenberg

Guión: Patrick McGrath (Novela: Patrick McGrath)

Intérpretes: Ralph Fiennes, Miranda Richardson, Gabriel Byrne, Lynn Redgrave, John Neville, Bradley Hall, Gary Reineke, Philip Craig, Cliff Saunders, Tara Ellis, Sara Stockbridge, Arthur Whybrow

Puntaje: 8



 
Esta es de esas pelis de las que no tenía ni idea y apareció entre tantos click que hago en nombres de directores, actores, etc.
Podría decir que es una película entre misteriosa y psicológica. Lo que esta a mi parecer muy bien armada es la estructura al narrar la historia. Como nos van metiendo en el mundo de ese personaje principal (y casi el único) tan misterioso, que en un primer momento no entendemos ni quién es ni qué le pasa. Su actitud es por demás intrigante, interesante. La actuación es soberbia. Creo que sin una actuación de este nivel, la peli caería en picada, porque es el punto central de toda la historia y su caracterización y el modo de llevarla del actor es sumamente esencial para conseguir el propósito de, no solo empatizar con él, preocuparnos por él, sino también, y sobre todo, de querer saber más.


Pero ese protagonismo no es merito solo del guión y el actor, los espacios juegan un papel muy importante, lugares lejanos, cuasi despoblados (salvo el bar), con poca concurrencia, edificaciones grandes y antiguas, descampados, etc. Eso aporta un plus sombrío, de incertidumbre, colaboran con la caracterización y el misterio de este personaje que nos mantendrá atentos de sus particulares características y sus recuerdos.


En forma breve vamos a decir ahora de qué se trata: un hombre llega a una institución psiquiatrica, con un andar y características algo retraído y raro, y no se sabe bien qué tiene ni qué le pasó. A lo largo de la peli lo vemos recordar por momentos, y anotar compulsivamente en una libretita vieja, como si de armar un rompecabezas se tratara.


De esas pelis que al finalizar uno va para atrás y analiza. De esas que quedas maravillada con la actuación. De esas pelis, que funcionan bien, porque están bien hechas. Así de simple.
Recomendada. Ya me dirán.


Plus de premios:
Mejor película en el festival de Toronto. Mejor Director en el festival de cine fantástico de Sitges. Y nominada a la palma de oro en Cannes. ¿Qué tal? Y si no es por andar webeando, ni me enteraba de esta peli :D

Tiempo de revancha.


Título: Tiempo de revancha

Año: 1981

País: Argentina

Director: Adolfo Aristarain

Guión: Adolfo Aristarain

Intérpretes: Federico Luppi, Haydée Padilla, Julio De Grazia, Ulises Dumont, Jofre Soares, Aldo Barbero, Enrique Liporace, Arturo Maly, Rodolfo Ranni, Jorge Hacker, Alberto Benegas

Puntaje: 8



Comenzamos a traer películas de antaño (bueno, esta no es tan vieja), para ir revisando el cine argentino poco a poco. Grandes películas, algunas muy olvidadas, que muestran que hace rato que por aquí hay gente que hace buen cine.
Esta peli es de un director más que conocido, hablamos de Aristarain (Últimos días de una victima, Martín H, Un lugar en el mundo, o las más recientes: Lugares Comunes, Roma) y con dos protagonistas que son de los actores grandes que del cine argentino. Estrenada en plena dictadura, y conociendo el cine de Aristarain, no se puede negar aquello que se dice que dentro de la peli hay simbolismos hacia el régimen del país de aquella época. Todos saben que en esos momentos, lo que se quería decir, se debía decir disfrazado. Y que mejor que el protagonista “pierda el habla” para dar un poco cuenta lo que pasaba. Esa es la lectura que muchos hacen del filme y que por ende, no podemos desconocer.
Pero vamos a la trama en sí. La peli habla de dos mineros, que trabajan en condiciones nada agradables, y que tienen sus serios problemas con la empresa que los contrata que parece ser que de buena gente no tienen nada. La cosa es que uno de los dos protagonistas arma con su compañero una explosión adrede para luego sacar ventaja. El problema es que muere en la explosión, por lo que su compañero deberá seguir solo con lo que habían planeado. De allí viene lo grueso del filme, y lo que lo hace más que interesante. Con un final tremendo, de los mejores del cine argentino.
Las actuaciones, las tres principales, están a la altura. Ya todos conoce a Luppi imagino. Para los de otros lados, decir que Dumont no se queda atrás, de hecho han hecho muchísimas películas juntos. Los demás también son todos actores conocidos, y que han trabajo en muchas pelis juntos: Ranni, De Grazia, Haydeé Padilla, entre otros. Para los jovencitos, decirles que esto era un repartazo. Los que tienen mi edad o más, sabrán ya de que les hablo.
¿Qué destaca? La sensación de amenaza. A lo largo de todo la peli se respira eso. Amenaza en la minas, amenaza en los dueños de la empresa, y amenaza luego durante el juicio. El clima esta muy bien logrado. Tensa peli, que los atrapará sin lugar a dudas.
Por supuesto, cuando uno reseña una peli que no vio recientemente, omite detalles puntuales que surgen de los visionados frescos, pero aún así el recuerdo en este caso, estoy segura que no dista de la real calidad de la película. Por supuesto, los ambientes son claros reflejos de la decoración de aquella época, la ropa, todo; y que quizá no era algo muy bonito que digamos, jajaja pero que eso no les impida ver la peli.
A los que quieran encontrarla por la web, es posible que los videoclubs ya no la tengan, y en otros países ni se gasten porque difícilmente la encuentren, decirles que esta en youtube, por partes, en una excelentísima calidad de imagen y sonido. Así que no tienen excusas.
Ya me dirán.

Como recuento de qué pasó con la peli en su momento, agreguemos que ganó:
§                     1982, Premios Cóndor, Asociación de Cronistas de Cine de la Argentina, Cóndor de Plata al mejor actor (Federico Luppi), al mejor director (Adolfo Aristarain), al mejor guion original (Adolfo Aristarain), al mejor montaje (Eduardo López), al mejor revelación masculina (Arturo Maly) y al mejor actor de reparto (Ulises Dumont)
§                     1982, Premios Coral, Festival de Cine de la Habana, Primer Premio (Gran Coral)
§                     1982, Festival Mundial de Cine de Montreal, Gran Premio de las Américas
§                     1984, Festival del Film Policial de Cognac, Premio de la Crítica

Pronto seguimos repasando el cine argentino de hace tiempo :D

Y para los que quieran ver si se enganchan o no, les dejo los primeros 10 minutos de peli!!! (de paso comprueban que nos les miento cuando digo que tiene buena calidad tanto imagen como sonido).


Título: Tiempo de revancha

Año: 1981

País: Argentina

Director: Adolfo Aristarain

Guión: Adolfo Aristarain

Intérpretes: Federico Luppi, Haydée Padilla, Julio De Grazia, Ulises Dumont, Jofre Soares, Aldo Barbero, Enrique Liporace, Arturo Maly, Rodolfo Ranni, Jorge Hacker, Alberto Benegas

Puntaje: 8



Comenzamos a traer películas de antaño (bueno, esta no es tan vieja), para ir revisando el cine argentino poco a poco. Grandes películas, algunas muy olvidadas, que muestran que hace rato que por aquí hay gente que hace buen cine.
Esta peli es de un director más que conocido, hablamos de Aristarain (Últimos días de una victima, Martín H, Un lugar en el mundo, o las más recientes: Lugares Comunes, Roma) y con dos protagonistas que son de los actores grandes que del cine argentino. Estrenada en plena dictadura, y conociendo el cine de Aristarain, no se puede negar aquello que se dice que dentro de la peli hay simbolismos hacia el régimen del país de aquella época. Todos saben que en esos momentos, lo que se quería decir, se debía decir disfrazado. Y que mejor que el protagonista “pierda el habla” para dar un poco cuenta lo que pasaba. Esa es la lectura que muchos hacen del filme y que por ende, no podemos desconocer.
Pero vamos a la trama en sí. La peli habla de dos mineros, que trabajan en condiciones nada agradables, y que tienen sus serios problemas con la empresa que los contrata que parece ser que de buena gente no tienen nada. La cosa es que uno de los dos protagonistas arma con su compañero una explosión adrede para luego sacar ventaja. El problema es que muere en la explosión, por lo que su compañero deberá seguir solo con lo que habían planeado. De allí viene lo grueso del filme, y lo que lo hace más que interesante. Con un final tremendo, de los mejores del cine argentino.
Las actuaciones, las tres principales, están a la altura. Ya todos conoce a Luppi imagino. Para los de otros lados, decir que Dumont no se queda atrás, de hecho han hecho muchísimas películas juntos. Los demás también son todos actores conocidos, y que han trabajo en muchas pelis juntos: Ranni, De Grazia, Haydeé Padilla, entre otros. Para los jovencitos, decirles que esto era un repartazo. Los que tienen mi edad o más, sabrán ya de que les hablo.
¿Qué destaca? La sensación de amenaza. A lo largo de todo la peli se respira eso. Amenaza en la minas, amenaza en los dueños de la empresa, y amenaza luego durante el juicio. El clima esta muy bien logrado. Tensa peli, que los atrapará sin lugar a dudas.
Por supuesto, cuando uno reseña una peli que no vio recientemente, omite detalles puntuales que surgen de los visionados frescos, pero aún así el recuerdo en este caso, estoy segura que no dista de la real calidad de la película. Por supuesto, los ambientes son claros reflejos de la decoración de aquella época, la ropa, todo; y que quizá no era algo muy bonito que digamos, jajaja pero que eso no les impida ver la peli.
A los que quieran encontrarla por la web, es posible que los videoclubs ya no la tengan, y en otros países ni se gasten porque difícilmente la encuentren, decirles que esta en youtube, por partes, en una excelentísima calidad de imagen y sonido. Así que no tienen excusas.
Ya me dirán.

Como recuento de qué pasó con la peli en su momento, agreguemos que ganó:
§                     1982, Premios Cóndor, Asociación de Cronistas de Cine de la Argentina, Cóndor de Plata al mejor actor (Federico Luppi), al mejor director (Adolfo Aristarain), al mejor guion original (Adolfo Aristarain), al mejor montaje (Eduardo López), al mejor revelación masculina (Arturo Maly) y al mejor actor de reparto (Ulises Dumont)
§                     1982, Premios Coral, Festival de Cine de la Habana, Primer Premio (Gran Coral)
§                     1982, Festival Mundial de Cine de Montreal, Gran Premio de las Américas
§                     1984, Festival del Film Policial de Cognac, Premio de la Crítica

Pronto seguimos repasando el cine argentino de hace tiempo :D

Y para los que quieran ver si se enganchan o no, les dejo los primeros 10 minutos de peli!!! (de paso comprueban que nos les miento cuando digo que tiene buena calidad tanto imagen como sonido).

Cars II


Título : Cars II

Año: 2011

País: EEUU

Director: John Lasseter, Brad Lewis

Guión: Ben Queen (Historia: John Lasseter, Brad Lewis, Dan Fogelman)

Intérpretes: Animación.

Puntaje: 7,5 (y quizá en un rato un 8 :D )







Estamos hablando de Pixar por lo que ya la excelente animación esta garantizada. Lo que destaca en esta película en particular es que vemos el mundo animado. Imágenes realmente hermosas. Como veíamos París en Rataouille, acá paseamos por todos lados, con igual factura técnica. Pixar sabe de esto y nosotros sabemos que sabe. Ya con eso, salimos conformes de ver la peli.


Pero claro esta, que no todas las pelis de la productora tiene la misma potencia en cuanto a guión y la anterior Cars no ha sido de las más sobresalientes. Algo lenta aunque bastante creativa en armar ese mundo de autos. En esta segunda parte, la cosa mejora en algunos aspectos y empeora en otros. A saber:


Mejora en el dinamismo de las escenas, en las situaciones particulares que son bastante más graciosas que en la anterior, en las referencias (tanto del mundo real como de otras pelis), y en las escenas de acción, dignas de una peli de James Bond.


Empeora en el intrincado guión y largos diálogos eternos que se hacen difícil seguir, hasta para un adulto (o al menos hasta para mi), lo que puede hacer que los niños se pierdan un poco en la trama. Que no esta mal, pero podría haberse simplificado manteniendo su esencia.


Tenemos intriga, espías, acción y por supuesto, amistad, en una peli que aprueba y un poco más: se disfruta. No pasará a estar entre las mejores, pero sale airosa de todas formas.


Cabe destacar que el protagonista en esta segunda parte en Mate y no Rayo y eso para mi es un acierto, sobre todo por la gran importancia que tuvo este personaje (antes secundario) en la anterior peli y además porque renueva la visión y las problemáticas, quedando acorde con lo que se esta contando.
  

En líneas generales, aunque la peli cambia (digamos) el género, el tema central gira alrededor de lo mismo que en la anterior: lo nuevo y lo viejo. Antes era el viejo pueblo olvidado. Ahora, los viejos autos. Eso hace que no pueda haber mejor protagonista que Mate. De haberlo sido Rayo, el mensaje hubiera sido diferente (me entenderán lo que las hayan visto), además que solo Mate, por su vejez, jajaja, y por ser una grúa, sabe algunas cosas necesarias para la trama.


Algunos critican que por ser una peli de chicos, hay escenas muy fuertes. Es verdad que hay autos que literalmente se destruyen, pero aún así no es algo que preocupará demasiado a los niños, ya que inteligentemente, esos autos aparecen apenas dos minutos en pantalla, por lo que poca o ninguna es la empatía que el espectador tiene hacia ellos, y llegan a ser autos (sin personalidad) lisa y llanamente.
En conclusión, véanla, sabiendo que no es la mejor, pero preparados para disfrutar de escenas muy bien logradas cada una por separada, y con una trama que aunque contada de manera compleja, es intrigante y entretenida. Después me cuentan que tal les pareció. Yo creo que la prefiero a la anterior.


Título : Cars II

Año: 2011

País: EEUU

Director: John Lasseter, Brad Lewis

Guión: Ben Queen (Historia: John Lasseter, Brad Lewis, Dan Fogelman)

Intérpretes: Animación.

Puntaje: 7,5 (y quizá en un rato un 8 :D )







Estamos hablando de Pixar por lo que ya la excelente animación esta garantizada. Lo que destaca en esta película en particular es que vemos el mundo animado. Imágenes realmente hermosas. Como veíamos París en Rataouille, acá paseamos por todos lados, con igual factura técnica. Pixar sabe de esto y nosotros sabemos que sabe. Ya con eso, salimos conformes de ver la peli.


Pero claro esta, que no todas las pelis de la productora tiene la misma potencia en cuanto a guión y la anterior Cars no ha sido de las más sobresalientes. Algo lenta aunque bastante creativa en armar ese mundo de autos. En esta segunda parte, la cosa mejora en algunos aspectos y empeora en otros. A saber:


Mejora en el dinamismo de las escenas, en las situaciones particulares que son bastante más graciosas que en la anterior, en las referencias (tanto del mundo real como de otras pelis), y en las escenas de acción, dignas de una peli de James Bond.


Empeora en el intrincado guión y largos diálogos eternos que se hacen difícil seguir, hasta para un adulto (o al menos hasta para mi), lo que puede hacer que los niños se pierdan un poco en la trama. Que no esta mal, pero podría haberse simplificado manteniendo su esencia.


Tenemos intriga, espías, acción y por supuesto, amistad, en una peli que aprueba y un poco más: se disfruta. No pasará a estar entre las mejores, pero sale airosa de todas formas.


Cabe destacar que el protagonista en esta segunda parte en Mate y no Rayo y eso para mi es un acierto, sobre todo por la gran importancia que tuvo este personaje (antes secundario) en la anterior peli y además porque renueva la visión y las problemáticas, quedando acorde con lo que se esta contando.
  

En líneas generales, aunque la peli cambia (digamos) el género, el tema central gira alrededor de lo mismo que en la anterior: lo nuevo y lo viejo. Antes era el viejo pueblo olvidado. Ahora, los viejos autos. Eso hace que no pueda haber mejor protagonista que Mate. De haberlo sido Rayo, el mensaje hubiera sido diferente (me entenderán lo que las hayan visto), además que solo Mate, por su vejez, jajaja, y por ser una grúa, sabe algunas cosas necesarias para la trama.


Algunos critican que por ser una peli de chicos, hay escenas muy fuertes. Es verdad que hay autos que literalmente se destruyen, pero aún así no es algo que preocupará demasiado a los niños, ya que inteligentemente, esos autos aparecen apenas dos minutos en pantalla, por lo que poca o ninguna es la empatía que el espectador tiene hacia ellos, y llegan a ser autos (sin personalidad) lisa y llanamente.
En conclusión, véanla, sabiendo que no es la mejor, pero preparados para disfrutar de escenas muy bien logradas cada una por separada, y con una trama que aunque contada de manera compleja, es intrigante y entretenida. Después me cuentan que tal les pareció. Yo creo que la prefiero a la anterior.

Otra Tierra / Another Earth


Título: Another Earth/Otra tierra

Año: 2011

País: EEUU

Director: Mike Cahill

Guión: Mike Cahill, Brit Marling

Interpretes: Brit Marling, William Mapother, Jordan Baker, Flint Beverage, Robin Taylor.

Puntaje: 8,5







De lo mejor que vi en lo que va del año, la ciencia ficción con toques drama, o los dramas con toques de ciencia ficción parecen ser de ese tipo de película que me hipnotizan.
Aquí tenemos un crudo drama, demasiado fuerte, tanto que no sé cómo lo tolere, (ya saben que los dramas demasiado dramáticos, (si, me encanta redundar) no son de mi agrado, y que me gusten depende mucho de cómo están dirigidos) pero que no esta contado de forma efectista sino que es el punto de partida para hablar de esas cosas irremediables que duelen siempre o que causan culpa tan honda que nunca se supera del todo.


Aquí tenemos ambas cosas, y ambas conviven. El dolor y la culpa. Retratado desde la visión del personaje culpable, que es un acierto porque de otra forma jamás hubiéramos empatizado en lo más mínimo con ella. Es tanta su culpa y es tanto lo que esta culpa guía sus acciones que no podemos más que sentir el dolor de ella. Sin olvidar ni por un momento el dolor de él. En esa convivencia de sensaciones esta lo hondo del filme. Y a partir de esa historia central, esta la ciencia ficción rodeando todo aquello. Desde el inicio, hasta el final. Siempre ahí. Como un poco de aire fresco entre tanta asfixia. Y es que esa idea ficcional a través de la cuál gira la peli, trae una idea, al menos una minima posibilidad de alivio para estas personas atormentadas, y eso, aunque pobre, no deja de funcionar como un gran oasis mental para esos seres.


Otra de las cosas que esta bien tratada, es la de decir o no la verdad. Y cómo lo que en un primer momento parece ser lo mejor, luego no lo es tanto, para en un tercer momento pasar a ser literalmente imperioso.

Para agregar, vale destacar los diálogos y la belleza de sentido de algunas escenas, como el concierto privado, o el cuento que le relata la mujer al hombre. Y obviamente se destaca, que el tratamiento del tema sea cuidado, respetuoso, y sin golpes bajos.


Si hablamos de los actores, creo que ambos son la elección justa, le dan lo necesario a cada personaje, se tornan más que creíbles y llevan sus diálogos, hasta cuando son largos, de manera espontánea, y sus silencios, que son varios, de manera justa.


Y el final, bien de ciencia ficción. Acá no hay un trompo que sigue girando, pero casi.
Otra tierra, con otro yo en algún lugar, que vivió exactamente lo mismo, pero… en ese pero, se centra la película.
Recomendadísima. 

Título: Another Earth/Otra tierra

Año: 2011

País: EEUU

Director: Mike Cahill

Guión: Mike Cahill, Brit Marling

Interpretes: Brit Marling, William Mapother, Jordan Baker, Flint Beverage, Robin Taylor.

Puntaje: 8,5







De lo mejor que vi en lo que va del año, la ciencia ficción con toques drama, o los dramas con toques de ciencia ficción parecen ser de ese tipo de película que me hipnotizan.
Aquí tenemos un crudo drama, demasiado fuerte, tanto que no sé cómo lo tolere, (ya saben que los dramas demasiado dramáticos, (si, me encanta redundar) no son de mi agrado, y que me gusten depende mucho de cómo están dirigidos) pero que no esta contado de forma efectista sino que es el punto de partida para hablar de esas cosas irremediables que duelen siempre o que causan culpa tan honda que nunca se supera del todo.


Aquí tenemos ambas cosas, y ambas conviven. El dolor y la culpa. Retratado desde la visión del personaje culpable, que es un acierto porque de otra forma jamás hubiéramos empatizado en lo más mínimo con ella. Es tanta su culpa y es tanto lo que esta culpa guía sus acciones que no podemos más que sentir el dolor de ella. Sin olvidar ni por un momento el dolor de él. En esa convivencia de sensaciones esta lo hondo del filme. Y a partir de esa historia central, esta la ciencia ficción rodeando todo aquello. Desde el inicio, hasta el final. Siempre ahí. Como un poco de aire fresco entre tanta asfixia. Y es que esa idea ficcional a través de la cuál gira la peli, trae una idea, al menos una minima posibilidad de alivio para estas personas atormentadas, y eso, aunque pobre, no deja de funcionar como un gran oasis mental para esos seres.


Otra de las cosas que esta bien tratada, es la de decir o no la verdad. Y cómo lo que en un primer momento parece ser lo mejor, luego no lo es tanto, para en un tercer momento pasar a ser literalmente imperioso.

Para agregar, vale destacar los diálogos y la belleza de sentido de algunas escenas, como el concierto privado, o el cuento que le relata la mujer al hombre. Y obviamente se destaca, que el tratamiento del tema sea cuidado, respetuoso, y sin golpes bajos.


Si hablamos de los actores, creo que ambos son la elección justa, le dan lo necesario a cada personaje, se tornan más que creíbles y llevan sus diálogos, hasta cuando son largos, de manera espontánea, y sus silencios, que son varios, de manera justa.


Y el final, bien de ciencia ficción. Acá no hay un trompo que sigue girando, pero casi.
Otra tierra, con otro yo en algún lugar, que vivió exactamente lo mismo, pero… en ese pero, se centra la película.
Recomendadísima. 

Análisis de película. El punto de Inflexión.

En el anterior post de Análisis de Película (hace ya tiempo), quedamos en analizar la escena de la terraza (Estamos hablando de Inception/El origen), sobretodo en cuanto a guión se refiere. De este modo, vamos pasando de escena en escena de la peli tocando diferentes cuestiones a analizar para no hacer demasiado cansino el tema. Ahora, y en algunos otros post, el guión será el tema, imposible que no tome relevancia porque seamos sinceros, es el esqueleto de toda peli y su importancia es mucha. Además esta bueno poder ver cómo en películas no lineales, viajes temporales, flashbacks, cosa surreal, sueño, etc, el guión clásico puede mantenerse de todas formas. Cosa que de buenas a primeras suele traer confusiones, considerando a estructura clásica todo aquello que pasa linealmente, y esto justamente, no es así. Que mejor que Inception que es compleja en niveles de realidad para ver que aún así mantiene una estructura de guión clásica.


Volvamos a la escena de la terraza. Les había dejado picando el tema de porqué es tan importante esa escena, que importancia tiene en la historia. Por supuesto, todos casaron el porqué, dieron su justificación, que en definitiva, la de cada uno resume lo mismo, pero yo las voy a copiar, justamente por eso, porque es bueno ver que una misma cosa se puede decir de varias maneras. Pero todas, entienden el sentido del momento que esta escena tiene en la historia.

Dani dijo: “…Y la escena del helicoptero porque es importante? mmm... pues bueno es importantisima porque de aqui en adelante empieza el desarrollo de la trama consiguiente, el punto de inflexión, la misión en sí en la que se basa la película, el punto de partida, aqui Saito le propone a Cob "el trabajo"... Asi que...”

Pabe dijo: “…Concuerdo con Dani que la escena del helicóptero es esencial porque ahí le ofrece el trabajo y no sólo eso, ahí Saito marca más que nunca el tipo de persona que es porque digamos que Cobb no tiene mucha elección aunque Arthur diera a entender que sí. Además justamente el diálogo que se lleva a cabo allí es muy importante porque justamente nos explica la película! O sea, Cobb y su equipo tendrán que implantar una idea en alguien y no meramente robarsela! Es hiper importante…”

Y exactamente, tienen razón. Si lo desmenuzamos en “términos guionales” jajaja puede que cada autor lo llame diferente, pero el termino más conocido es “momento de inflexión” o “punto de giro”, entre otros nombres que ya diremos.
¿Pero que es esto? Bueno, justamente la escena de la terraza. jajaja
Pasemos esta información en limpio. El guión, y cualquier relato, cuento, novela, etc. Tiene tres partes básicas: La introducción, el nudo, y el desenlace. Después en otros post quizá hablamos en detalle de las dos últimas. Y creo que en el post de Caracterización de personajes hablamos un poco sobre la introducción, justamente, porque las primeras escenas son las que caracterizan al personaje en cuanto a personalidad y problemática. Ahora bien, ¿cómo se pasa de una de estas partes a la otra? ¿se salta directamente de una introducción a un núcleo así sin más?. Por supuesto que no. Dentro de la historia hay algo que detona a lo siguiente. En realidad esto pasa de escena en escena, aún dentro de las grandes partes, pero en este caso funciona además de como detonante de lo que sigue, como bisagra entre dos partes bien diferencias de la historia.


¿cómo nos damos cuenta cuál es el “momento de inflexión” de una película?. Es justamente el momento en que el conflicto se hace presente de forma clara, que aquello de lo que va a ir todo el resto de la película se pone de manifiesto. Uno puede preguntarse ¿quién es el protagonista? ¿Qué quiere? Y por último ¿lo consiguió?. Ahí están claramente diferenciados las tres partes de un guión. Alguno puede decirme que el ¿Qué quiere? Responde a un deseo y no a un conflicto. Piensen que si hay conflicto, el personaje “querrá” resolverlo.
¿qué quiere Cob? Encontrarse de nuevo con sus hijos. Esta claro que esto lo quiere desde la introducción, pero hay un punto en la historia, en que ese deseo hará que todo lo que haga a partir de ahí sea para solucionar este tema de no poder verlos. Lo anterior no. Aún queriendo verlos, en la primer escena, lo que el hace no es para conseguir verlos, es simplemente su trabajo. El punto de inflexión es la propuesta de Saito, ahí mismo se pone en marcha el plan y la resolución del conflicto, que en este caso, es un conflicto con ramificaciones. Es un algo para conseguir además de hacer bien ese algo, otro algo distinto. O sea, tienen un trabajo, que es un conflicto en si mismo, hay que hacerlo bien si no quieren tener problemas. Pero además, y principalmente, es la llave para que Cob vuelva a ver a sus hijos. Y ese es el gran meollo, ese es el gran hilo conductor de todo. ¿Por qué? Porque el protagonista es Di Caprio, no Saito y su compañía. Ni Cillian y la relación con su padre. Aunque todos beban de la misma misión.



¿Practicamos encontrar puntos de inflexión en cualquier peli?. Porque en cualquiera que contenga un relato clásico debería poder encontrarse. Busquen una fácil al principio, y después intenten encontrar el punto de inflexión en cualquiera. Digan el nombre de alguna peli en los comentarios para que lo pensemos entre todos. Planteen alguna duda sobre alguna peli en particular para que intercambiemos opiniones. Yo de momento, los dejo pensando en cuáles serían los puntos de inflexión anterior al desarrollo (núcleo, conflicto) de las siguientes películas (elijo bien conocidas apropósito). Y antes de nombrar las pelis les aclaro que hay otros puntos de inflexión pero en este caso buscamos el que nos une de la introducción, al núcleo.

Y las pelis son… cha chan cha chaaan. jajaja

Amelie.
Volver al Futuro.
Ciudadano Kane.
ET
El silencio de los corderos.
Sexto sentido.

De momento no les digo nada, así charlo con ustedes en los comentarios y lo pensamos entre todos. En el próximo post, prontísimo, ponemos los resultados, si surgió alguna duda con alguna peli que ustedes hayan traído para pensar, y además  hacemos el esquemita de un guión que nos va a venir bien a lo largo de lo que queda de análisis y alguna definición sacada de libros para que comparen cómo, así como ustedes dijeron lo mismo con diferentes palabras, puede que en los libros pase algo similiar. ¿les va?


P.D.: Recalco lo que dijo Pabe, justo en el punto de inflexión, "el trabajo" no es el mismo que siempre, sino algo nuevo y más complejo, por ende, más peligroso, y por ende, le da más dramatismo, ya hay algo en juego y lo que hay que hacer para conseguirlo, es difícil. Listooo, tenemos conflicto. :D
En el anterior post de Análisis de Película (hace ya tiempo), quedamos en analizar la escena de la terraza (Estamos hablando de Inception/El origen), sobretodo en cuanto a guión se refiere. De este modo, vamos pasando de escena en escena de la peli tocando diferentes cuestiones a analizar para no hacer demasiado cansino el tema. Ahora, y en algunos otros post, el guión será el tema, imposible que no tome relevancia porque seamos sinceros, es el esqueleto de toda peli y su importancia es mucha. Además esta bueno poder ver cómo en películas no lineales, viajes temporales, flashbacks, cosa surreal, sueño, etc, el guión clásico puede mantenerse de todas formas. Cosa que de buenas a primeras suele traer confusiones, considerando a estructura clásica todo aquello que pasa linealmente, y esto justamente, no es así. Que mejor que Inception que es compleja en niveles de realidad para ver que aún así mantiene una estructura de guión clásica.


Volvamos a la escena de la terraza. Les había dejado picando el tema de porqué es tan importante esa escena, que importancia tiene en la historia. Por supuesto, todos casaron el porqué, dieron su justificación, que en definitiva, la de cada uno resume lo mismo, pero yo las voy a copiar, justamente por eso, porque es bueno ver que una misma cosa se puede decir de varias maneras. Pero todas, entienden el sentido del momento que esta escena tiene en la historia.

Dani dijo: “…Y la escena del helicoptero porque es importante? mmm... pues bueno es importantisima porque de aqui en adelante empieza el desarrollo de la trama consiguiente, el punto de inflexión, la misión en sí en la que se basa la película, el punto de partida, aqui Saito le propone a Cob "el trabajo"... Asi que...”

Pabe dijo: “…Concuerdo con Dani que la escena del helicóptero es esencial porque ahí le ofrece el trabajo y no sólo eso, ahí Saito marca más que nunca el tipo de persona que es porque digamos que Cobb no tiene mucha elección aunque Arthur diera a entender que sí. Además justamente el diálogo que se lleva a cabo allí es muy importante porque justamente nos explica la película! O sea, Cobb y su equipo tendrán que implantar una idea en alguien y no meramente robarsela! Es hiper importante…”

Y exactamente, tienen razón. Si lo desmenuzamos en “términos guionales” jajaja puede que cada autor lo llame diferente, pero el termino más conocido es “momento de inflexión” o “punto de giro”, entre otros nombres que ya diremos.
¿Pero que es esto? Bueno, justamente la escena de la terraza. jajaja
Pasemos esta información en limpio. El guión, y cualquier relato, cuento, novela, etc. Tiene tres partes básicas: La introducción, el nudo, y el desenlace. Después en otros post quizá hablamos en detalle de las dos últimas. Y creo que en el post de Caracterización de personajes hablamos un poco sobre la introducción, justamente, porque las primeras escenas son las que caracterizan al personaje en cuanto a personalidad y problemática. Ahora bien, ¿cómo se pasa de una de estas partes a la otra? ¿se salta directamente de una introducción a un núcleo así sin más?. Por supuesto que no. Dentro de la historia hay algo que detona a lo siguiente. En realidad esto pasa de escena en escena, aún dentro de las grandes partes, pero en este caso funciona además de como detonante de lo que sigue, como bisagra entre dos partes bien diferencias de la historia.


¿cómo nos damos cuenta cuál es el “momento de inflexión” de una película?. Es justamente el momento en que el conflicto se hace presente de forma clara, que aquello de lo que va a ir todo el resto de la película se pone de manifiesto. Uno puede preguntarse ¿quién es el protagonista? ¿Qué quiere? Y por último ¿lo consiguió?. Ahí están claramente diferenciados las tres partes de un guión. Alguno puede decirme que el ¿Qué quiere? Responde a un deseo y no a un conflicto. Piensen que si hay conflicto, el personaje “querrá” resolverlo.
¿qué quiere Cob? Encontrarse de nuevo con sus hijos. Esta claro que esto lo quiere desde la introducción, pero hay un punto en la historia, en que ese deseo hará que todo lo que haga a partir de ahí sea para solucionar este tema de no poder verlos. Lo anterior no. Aún queriendo verlos, en la primer escena, lo que el hace no es para conseguir verlos, es simplemente su trabajo. El punto de inflexión es la propuesta de Saito, ahí mismo se pone en marcha el plan y la resolución del conflicto, que en este caso, es un conflicto con ramificaciones. Es un algo para conseguir además de hacer bien ese algo, otro algo distinto. O sea, tienen un trabajo, que es un conflicto en si mismo, hay que hacerlo bien si no quieren tener problemas. Pero además, y principalmente, es la llave para que Cob vuelva a ver a sus hijos. Y ese es el gran meollo, ese es el gran hilo conductor de todo. ¿Por qué? Porque el protagonista es Di Caprio, no Saito y su compañía. Ni Cillian y la relación con su padre. Aunque todos beban de la misma misión.



¿Practicamos encontrar puntos de inflexión en cualquier peli?. Porque en cualquiera que contenga un relato clásico debería poder encontrarse. Busquen una fácil al principio, y después intenten encontrar el punto de inflexión en cualquiera. Digan el nombre de alguna peli en los comentarios para que lo pensemos entre todos. Planteen alguna duda sobre alguna peli en particular para que intercambiemos opiniones. Yo de momento, los dejo pensando en cuáles serían los puntos de inflexión anterior al desarrollo (núcleo, conflicto) de las siguientes películas (elijo bien conocidas apropósito). Y antes de nombrar las pelis les aclaro que hay otros puntos de inflexión pero en este caso buscamos el que nos une de la introducción, al núcleo.

Y las pelis son… cha chan cha chaaan. jajaja

Amelie.
Volver al Futuro.
Ciudadano Kane.
ET
El silencio de los corderos.
Sexto sentido.

De momento no les digo nada, así charlo con ustedes en los comentarios y lo pensamos entre todos. En el próximo post, prontísimo, ponemos los resultados, si surgió alguna duda con alguna peli que ustedes hayan traído para pensar, y además  hacemos el esquemita de un guión que nos va a venir bien a lo largo de lo que queda de análisis y alguna definición sacada de libros para que comparen cómo, así como ustedes dijeron lo mismo con diferentes palabras, puede que en los libros pase algo similiar. ¿les va?


P.D.: Recalco lo que dijo Pabe, justo en el punto de inflexión, "el trabajo" no es el mismo que siempre, sino algo nuevo y más complejo, por ende, más peligroso, y por ende, le da más dramatismo, ya hay algo en juego y lo que hay que hacer para conseguirlo, es difícil. Listooo, tenemos conflicto. :D

Batman: Year One


Título: Batman: year one

Año: 2011

País: EEUU

Director: Lauren Montgomery, Sam Liu

Guión: Tab Murphy (Cómic: Frank Miller. Personaje. Bob
Kane). 

Intérpretes: Animación

Puntaje: 8







Debo confesarme, soy fanática de Catwoman y de Batman (a qué ya se lo imaginaban jajaja), pero más de oído que de seguidora de los comics jajaja. En realidad mi amor surgió al ver a la Catwoman de Burton, un personaje con el que en rasgos generales me identifico en varios aspectos. Pero la Catwoman de los comics es algo diferente (mucho menos "inocente" si se quiere), en cuanto a historia, así que es esa faceta del personaje (o mejor dicho ese otro inicio de personaje) lo que estoy descubriendo desde hace poco, como también muchos de los otros personajes. ¿Por qué estoy hablando tanto de Catowman si la peli es de Batman? Bueno, por es inevitable y además porque en esta peli aparece. Y por si esto fuera poco, hay un cortometraje que según tengo entendido va delante de la peli que trata específicamente de ella y del que hablaremos más adelante.
¿qué tal la peli se estarán preguntando?
Genial, es la respuesta. La peli narra los inicios de Batman como tal, algo desprolijo en su operativo todavía, intentando encontrar la forma a su acción.
Una peli que visualmente es genial, bien comic, y que, imagino que por este hecho también, es algo estática en movimiento de imágenes. Esto cuesta un tanto a la vista en un primer momento, sobretodo porque estamos muy acostumbrados a las animaciones bien dinámicas. Pero al ratito uno se acostumbra al juego, y lo disfruta con creces.

Otra cosa que quiero destacar es que lo sombrío del guión, atrae, tanto en la desprolijidad que opera Batman, como en el ambiente turbio de los policías, y sumándole a la ya nombrada Catwoman, hace de la historia una especie de cine negro, muy bien llevado. Pero con héroe incluido.
Agregamos que tiene una par de escenas de acción excelente, como el momento que queda rodeado de policías.
Y algunas tomas que visualmente sobresalen de otras por lo hermosas y emotivas, como la de los murciélagos.
Eso si, se hace corta, termina la peli, y no sé si por lo que gustó o porqué, pero uno hubiera querido que durará una hora más. Realmente se la pasa genial viéndola.
Así que me verán más seguido por aquí, hablando de pelis como esta, que me recomienda mi buen amigo (especialista en comics y estas cosas) El Criticón y ya que estamos también lo nombro a Mike Lee que es otro de los cinéfilos que junto al Criticón siempre nos tienen al día de todo lo referente a cómic :D
Recomendada J

Bonus Track:


Título: DC Showcase: Catwoman

Año: 2011

País: EEUU

Director: Lauren Montgomery

Guión: Paul Dini

Intérpretes: Animación.

Puntaje: 7









Y ahora si hablamos del cortometraje. Algo (mucho) más dinámico en movimientos, con una animación más burda pero más movediza. Con muchísima más acción, aunque por momentos “demasiada” jajaja (le falta volar y mover cosas por telequinesis y listooo). Aún así, el cortometraje funciona, mantiene el interés, acorrala, se resuelve dignamente, y Catwoman sigue siendo una semivillana semiheroe, tal y como me gusta.
Un trabajo menos cuidado que el largometraje pero no por eso malo. Se disfruta y desde aquí, se recomienda. 

Título: Batman: year one

Año: 2011

País: EEUU

Director: Lauren Montgomery, Sam Liu

Guión: Tab Murphy (Cómic: Frank Miller. Personaje. Bob
Kane). 

Intérpretes: Animación

Puntaje: 8







Debo confesarme, soy fanática de Catwoman y de Batman (a qué ya se lo imaginaban jajaja), pero más de oído que de seguidora de los comics jajaja. En realidad mi amor surgió al ver a la Catwoman de Burton, un personaje con el que en rasgos generales me identifico en varios aspectos. Pero la Catwoman de los comics es algo diferente (mucho menos "inocente" si se quiere), en cuanto a historia, así que es esa faceta del personaje (o mejor dicho ese otro inicio de personaje) lo que estoy descubriendo desde hace poco, como también muchos de los otros personajes. ¿Por qué estoy hablando tanto de Catowman si la peli es de Batman? Bueno, por es inevitable y además porque en esta peli aparece. Y por si esto fuera poco, hay un cortometraje que según tengo entendido va delante de la peli que trata específicamente de ella y del que hablaremos más adelante.
¿qué tal la peli se estarán preguntando?
Genial, es la respuesta. La peli narra los inicios de Batman como tal, algo desprolijo en su operativo todavía, intentando encontrar la forma a su acción.
Una peli que visualmente es genial, bien comic, y que, imagino que por este hecho también, es algo estática en movimiento de imágenes. Esto cuesta un tanto a la vista en un primer momento, sobretodo porque estamos muy acostumbrados a las animaciones bien dinámicas. Pero al ratito uno se acostumbra al juego, y lo disfruta con creces.

Otra cosa que quiero destacar es que lo sombrío del guión, atrae, tanto en la desprolijidad que opera Batman, como en el ambiente turbio de los policías, y sumándole a la ya nombrada Catwoman, hace de la historia una especie de cine negro, muy bien llevado. Pero con héroe incluido.
Agregamos que tiene una par de escenas de acción excelente, como el momento que queda rodeado de policías.
Y algunas tomas que visualmente sobresalen de otras por lo hermosas y emotivas, como la de los murciélagos.
Eso si, se hace corta, termina la peli, y no sé si por lo que gustó o porqué, pero uno hubiera querido que durará una hora más. Realmente se la pasa genial viéndola.
Así que me verán más seguido por aquí, hablando de pelis como esta, que me recomienda mi buen amigo (especialista en comics y estas cosas) El Criticón y ya que estamos también lo nombro a Mike Lee que es otro de los cinéfilos que junto al Criticón siempre nos tienen al día de todo lo referente a cómic :D
Recomendada J

Bonus Track:


Título: DC Showcase: Catwoman

Año: 2011

País: EEUU

Director: Lauren Montgomery

Guión: Paul Dini

Intérpretes: Animación.

Puntaje: 7









Y ahora si hablamos del cortometraje. Algo (mucho) más dinámico en movimientos, con una animación más burda pero más movediza. Con muchísima más acción, aunque por momentos “demasiada” jajaja (le falta volar y mover cosas por telequinesis y listooo). Aún así, el cortometraje funciona, mantiene el interés, acorrala, se resuelve dignamente, y Catwoman sigue siendo una semivillana semiheroe, tal y como me gusta.
Un trabajo menos cuidado que el largometraje pero no por eso malo. Se disfruta y desde aquí, se recomienda. 

Doppelsauger. Hablamos con todo el equipo!!!



Como ya les había comentado AQUÍ, les traigo la segunda parte de la entrevista sobre Doppelsauger , esta vez, hablamos más puntualmente del aspecto técnico y el trabajo con actores. La verdad es que adoré hacer esta entrevista, son geniales y riquísimas sus respuestas (han hablado casi todos, si!!!) y la sensación que da es la de un grupo que funcionó muy bien junto y que todos apuestan al proyecto, les interesa realmente la historia. Solo queda esperar para ver la peli!!!  
Los dejo con las palabras de todo el equipo de Doppelsauger.




Vestuario: 
¿qué les sirvió de inspiración, cuáles fueron los parámetros iníciales a la hora de elegir el vestuario? ¿Cuál de toda la ropa utilizada les dio más trabajo?

(Daniela Andón)
En principio teníamos muy claro qué tipo de estética tendrían tanto los personajes como los escenarios, de ahí vimos que todo estaba muy relacionado, así que tratamos de que tanto maquillaje, vestuario y peinado reflejaran ese estilo. Nos basamos en varias cosas, pero por mi parte hubo una investigación que fue clave en este proceso y que no puedo revelar porque forma parte del misterio de la película pero que tiene que ver con épocas pasadas.



FX: 
Los efectos especiales son parte fundamental de la credibilidad que obtenga luego la historia, cuenten un poco cómo realizaron el trabajo, cuánto tiempo de preparación tenían para realizar los efectos que se utilizarían en cada toma. ¿Cómo han  recibido este trabajo los actores? A simple vista parecería que la mejor colaboración que puede otorgarle el resto del grupo a un encargado de FX es la paciencia ¿esto es así? ¿Cómo se lidia con el problema de que muchísimas veces, por la luz, la cantidad de horas disponibles, etc., el tiempo los corre?

(Daniela Andón)
Con respecto a los fx, fue algo grupal, cada uno tiene algún conocimiento que aporto a la hora de los fx. En mi caso, al ser maquilladora manejo muy bien el tema de los colores o texturas pero había ciertas cosas que tuve que consultar, ahí es cuando el resto del equipo hace su aporte y entonces resolvemos las distintas problemáticas que surgen.
En cuanto a los actores, por suerte todos han sido muy receptivos en cuanto al proceso, sabemos que es algo poco habitual pero hubo una buena onda genial y fue y es muy fácil trabajar con gente tan comprometida.

Es un trabajo que requiere paciencia pero como estábamos todos muy dispuestos, las cosas se resolvieron en tiempo y forma. En ocasiones, quizá por el tipo de locación, se dificultaba realizar ciertos efectos, pero priorizamos lo que había que grabar y que actor tenía más prioridad y así optimizas el tiempo.


Dirección de actores: 
Cómo ha sido el trabajo con los actores ¿ensayaban?

(Alejandro Alvariño)
El trabajo con los actores fue muy bueno. Ellos respondían a lo que el Director les decía. Hubo una gran comodidad a la hora de la grabación, ya que ellos podían sentirse libres para expresar lo que en la escena debían mostrar. En cada toma que se hacia se trataba de que jamás perdieran el hilo dramático.


Actores: 
¿Qué ven de positivo en cómo han sido dirigidos?
¿Y que destacan en general del proyecto en si?

Erika Boveri Veo de positivo que en este caso el director no esta limitado a dirigir, también actúa y eso es lo que permite que el actor se sienta mas contenido y desenvuelto, se genera un muy buen clima a la hora de trabajar, la energía positiva hace que las cosas fluyan con calidez.
Con respecto al proyecto en si, quisiera aclarar antes que nada que he visto cosas increíbles que surgieron dentro del cine argentino y es por eso que me encanta que haya nuevos proyectos con nuevos talentos”



Luis Calvillo Es un poco difícil explicar con palabras, lo que se siente en un set, hay mucha presión, el tiempo transcurre de una manera tan errática, que a veces puede resultar eterno y otras invisible, porque las horas, se pasan como minutos. Y como si eso fuera poco, no hay permiso para equivocarse. La seguridad en un director, es fundamental. Si sabe lo que quiere y como pedirlo, el actor funciona como un verdadero artista. Y así es como se trabaja con Alejandro Alvariño. 
El proyecto al principio parecía faraónico, para el escaso presupuesto que se maneja, en películas independientes. Sin embargo, el film esta casi terminado, gracias a que todos confiamos en él desde el principio. Otra cosa importante a destacar, es la cantidad de gente que se va sumando al proyecto, a medida que lo va conociendo, lo cual nos pone muy contentos a todos, porque es un indicio de que nuestro trabajo gusta, y que será bien recibido cuando este terminado”





Carolina Costas Ale es un director joven con mucho empuje y ganas! dijo que iba a hacer la peli y la hizo!!
Me pareció genial. Me divertí mucho, me sentí muy cómoda. Un muy lindo equipo de gente!”

Alejandro Hernán Pico Alejandro nos dirigió de una manera muy participativa y proactiva del asunto, no perdiendo de vista ningún detalle, tanto del plano escénico como del plano actoral. Veo de positivo el hecho de que se pudo ver a Alejandro Alvariño como un director al mismo plano que los actores, y por lo tanto, totalmente al tanto del "paradigma" que representaba cada actuación para nosotros.
El del proyecto en sí destaco el esfuerzo y tiempo que llevó cada escena, esperando, por supuesto que el resultado final sea un fiel reflejo del esfuerzo que todo el cast puso en la película”


Valeria Bon Catalán En general cuando estás siendo dirigido, la mayoría de los directores quieren llevarte lo más parecido a lo que ellos se imaginaron. Lo interesante aquí es que Ale hace eso por supuesto, pero con la diferencia que te dejaba proponer, lo cual hacia que siempre fuese un trabajo en equipo para el mayor provecho de la escena en que estábamos trabajando. 
Alejandro es un director joven, pero desde mi parecer tiene muy claro lo que quiere y es muy fácil entenderlo, por lo tanto la fluidez con que trabajábamos era bien interesante, ya que a partir de ahí surgen diferentes situaciones que alimentan el trabajo en común como artistas.
El proyecto es muy interesante, ya que es un género no muy explotado aquí en Argentina, y Ale lo aborda desde una manera muy inteligente sin caer en lo burdo, cuidando cada detalle. 
Siendo un proyecto de bajo presupuesto, está filmado en excelentes locaciones que se adecuan perfectamente a la temática, brindándole esa atmósfera de misterio en la cual está escrito el guión. 
Por otro lado al llegar el día de filmación, se sentía una gran familia con los chicos de producción, lo cual es muy agradable hacer lo que te gusta y con gente que también está disfrutando eso”






Carla Vita “Me sentí muy bien dirigida. Sin lugar a dudas el director sabe lo que quiere y eso te llega. Tiene mucha garra y espíritu! se pone en el lugar del otro y transmite seguridad, eso es importante para el actor, ya que puede expresarse libremente dentro del marco lo que el director quiere mostrar. Destaco el profesionalismo, la convicción y la responsabilidad que tienen él y su equipo. Sería un gusto volver a trabajar con él”.
"Es un proyecto con mucho trabajo de fondo. Esta muy bueno! Tiene suspenso, terror, erotismo y por sobre todo tiene una historia fuerte, la trata de blancas. Será un gusto ver terminado lo que ahora es un diamante en bruto!"

Cámara: 
Sé que fue un gran equipo el que se encargo de las cámaras 
¿cómo han colaborado y han repartido el trabajo entre ustedes?

(Alejandro Alvariño)
Bueno, el tema de la cámara, algo que no cualquiera hace. Menos mal que encontré gente que sabe como manejarse a la hora de grabar y que entiende perfectamente lo que yo quería que hicieran. Son muchos los que estuvieron como cameramas. Nuestra Asistente de Dirección “Florencia Gonzalez” fue una de las seleccionadas. Cuando ella no podía trabajar en cámara  se buscaba a otra persona, en su caso “Marcelo José Gea”, que también aporto fotografía en la película. En otras ocasiones estuvo “Daniela Andón”, también maquilladora del film y productora del proyecto en sí. Cuando yo no actuaba, también me encargaba de la cámara.
Teníamos a otros refuerzos por si alguien no podía estar en cámara, ya sea por algún imprevisto o por el rol que debían hacer durante la jornada de trabajo.  En este caso los refuerzos fueron “Pablo Andón”, sonidista y parte gráfica del film; “Sergio Muro”, otro de los fotógrafos que vinieron al rodaje en varias ocasiones, “Melisa Cantero”, una compañera también realizadora de cine independiente, y por último “Bárbara Renati”, la fotógrafa que siempre esta con nosotros.



Fotografía: 
Cuál fue el mayor reto que tuvieron a la hora de iluminar la peli en cuánto a género se refiere?

(Alejandro Alvariño)
Fueron muchas las escenas que se grabaron en lugares oscuros. Habíamos empezado con una cámara MiniDv, que no tenía muchas opciones de manejo. Un tema técnico que nos complicaba muchísimo. A mi me gustaba grabar usando la luz del lugar en sí, sin agregar ningún farolito ni nada. Quería que se vieran escenas bien crudas, con buena calidad, si, pero darle ese toque interesante que hace que lo que se esta viendo realmente esta ocurriendo. Claro que también dependía de la escena en si. Si teníamos que grabar en un bosque de noche (que lo hicimos) debíamos llevar buena iluminación. Pero tampoco me preocupaba tanto en poner varias luces. La persona encargada de la fotografía que estaba en el momento, me decía y aseguraba el trabajo de la imagen. Eso nos ayudaba mucho.
Cuando la imagen hacia mucho ruido, principalmente cuando había poca luz, ahí comenzaba a preocuparme. Cosas que pasan y que necesitas que se trabajen correctamente, sino el material final no sirve. Bueno, es un poco obvio, pero he visto películas así, con calidad muy mala y a veces no se logra apreciar las actuaciones de los actores. Las expresiones en el rostro de los personajes son muy importantes y esta genial cuando las ves correctamente.


Arte: 
Esta área la encuentro particularmente difícil. Muchas veces se logra con mucho esfuerzo conseguir una locación, lo que no significa que este “preparada” para lo que es necesario en la película. Y muchas veces dar con los elementos que el director de arte y decoración tiene pensado no es tarea fácil. ¿Cómo a sido ese proceso en Doppelsauger?


(Daniela Andón)
En nuestro caso es simple porque trabajamos con locaciones que afortunadamente sirvieron a nuestro propósito estético. En locaciones cerradas y con decoración de interiores, previo hubo una reunión y se decidió el estilo. Fue ahí cuando, en mi caso, comenzó el proceso creativo y luego el desarrollo en la locación. Como dije anteriormente, está todo muy relacionado, el estilo es particular y creo que la gente lo descubrirá cuando vea la película.
Hicimos una investigación y nos empapamos de videos, imágenes y pudimos construir locaciones que estuvieran acordes con el mensaje de la historia.


Guión: 
¿cómo surgió la historia? Cómo fue el proceso en el que solo cuentan el papel y el lápiz, y cuánto tuvieron en cuenta en ese momento el tema monetario que encontrarían posteriormente.

(Daniela Andón)
Alejandro tenía un personaje en mente hacía tiempo y me pidió que desarrolle una historia de suspenso, misterio y algún toque especial, que no puedo revelar. Fue entonces cuando empecé a investigar cosas relacionadas y desarrolle un grupo de personajes, que hoy están en la historia, y un lazo en común entre ellos, luego, les escribí un pasado, una biografía y ahí surgió el argumento de Doppelsauger. A partir de eso, Ale y yo estuvimos largas horas, durante un largo tiempo, desarrollando el guión que hoy es la película.







Como ya les había comentado AQUÍ, les traigo la segunda parte de la entrevista sobre Doppelsauger , esta vez, hablamos más puntualmente del aspecto técnico y el trabajo con actores. La verdad es que adoré hacer esta entrevista, son geniales y riquísimas sus respuestas (han hablado casi todos, si!!!) y la sensación que da es la de un grupo que funcionó muy bien junto y que todos apuestan al proyecto, les interesa realmente la historia. Solo queda esperar para ver la peli!!!  
Los dejo con las palabras de todo el equipo de Doppelsauger.




Vestuario: 
¿qué les sirvió de inspiración, cuáles fueron los parámetros iníciales a la hora de elegir el vestuario? ¿Cuál de toda la ropa utilizada les dio más trabajo?

(Daniela Andón)
En principio teníamos muy claro qué tipo de estética tendrían tanto los personajes como los escenarios, de ahí vimos que todo estaba muy relacionado, así que tratamos de que tanto maquillaje, vestuario y peinado reflejaran ese estilo. Nos basamos en varias cosas, pero por mi parte hubo una investigación que fue clave en este proceso y que no puedo revelar porque forma parte del misterio de la película pero que tiene que ver con épocas pasadas.



FX: 
Los efectos especiales son parte fundamental de la credibilidad que obtenga luego la historia, cuenten un poco cómo realizaron el trabajo, cuánto tiempo de preparación tenían para realizar los efectos que se utilizarían en cada toma. ¿Cómo han  recibido este trabajo los actores? A simple vista parecería que la mejor colaboración que puede otorgarle el resto del grupo a un encargado de FX es la paciencia ¿esto es así? ¿Cómo se lidia con el problema de que muchísimas veces, por la luz, la cantidad de horas disponibles, etc., el tiempo los corre?

(Daniela Andón)
Con respecto a los fx, fue algo grupal, cada uno tiene algún conocimiento que aporto a la hora de los fx. En mi caso, al ser maquilladora manejo muy bien el tema de los colores o texturas pero había ciertas cosas que tuve que consultar, ahí es cuando el resto del equipo hace su aporte y entonces resolvemos las distintas problemáticas que surgen.
En cuanto a los actores, por suerte todos han sido muy receptivos en cuanto al proceso, sabemos que es algo poco habitual pero hubo una buena onda genial y fue y es muy fácil trabajar con gente tan comprometida.

Es un trabajo que requiere paciencia pero como estábamos todos muy dispuestos, las cosas se resolvieron en tiempo y forma. En ocasiones, quizá por el tipo de locación, se dificultaba realizar ciertos efectos, pero priorizamos lo que había que grabar y que actor tenía más prioridad y así optimizas el tiempo.


Dirección de actores: 
Cómo ha sido el trabajo con los actores ¿ensayaban?

(Alejandro Alvariño)
El trabajo con los actores fue muy bueno. Ellos respondían a lo que el Director les decía. Hubo una gran comodidad a la hora de la grabación, ya que ellos podían sentirse libres para expresar lo que en la escena debían mostrar. En cada toma que se hacia se trataba de que jamás perdieran el hilo dramático.


Actores: 
¿Qué ven de positivo en cómo han sido dirigidos?
¿Y que destacan en general del proyecto en si?

Erika Boveri Veo de positivo que en este caso el director no esta limitado a dirigir, también actúa y eso es lo que permite que el actor se sienta mas contenido y desenvuelto, se genera un muy buen clima a la hora de trabajar, la energía positiva hace que las cosas fluyan con calidez.
Con respecto al proyecto en si, quisiera aclarar antes que nada que he visto cosas increíbles que surgieron dentro del cine argentino y es por eso que me encanta que haya nuevos proyectos con nuevos talentos”



Luis Calvillo Es un poco difícil explicar con palabras, lo que se siente en un set, hay mucha presión, el tiempo transcurre de una manera tan errática, que a veces puede resultar eterno y otras invisible, porque las horas, se pasan como minutos. Y como si eso fuera poco, no hay permiso para equivocarse. La seguridad en un director, es fundamental. Si sabe lo que quiere y como pedirlo, el actor funciona como un verdadero artista. Y así es como se trabaja con Alejandro Alvariño. 
El proyecto al principio parecía faraónico, para el escaso presupuesto que se maneja, en películas independientes. Sin embargo, el film esta casi terminado, gracias a que todos confiamos en él desde el principio. Otra cosa importante a destacar, es la cantidad de gente que se va sumando al proyecto, a medida que lo va conociendo, lo cual nos pone muy contentos a todos, porque es un indicio de que nuestro trabajo gusta, y que será bien recibido cuando este terminado”





Carolina Costas Ale es un director joven con mucho empuje y ganas! dijo que iba a hacer la peli y la hizo!!
Me pareció genial. Me divertí mucho, me sentí muy cómoda. Un muy lindo equipo de gente!”

Alejandro Hernán Pico Alejandro nos dirigió de una manera muy participativa y proactiva del asunto, no perdiendo de vista ningún detalle, tanto del plano escénico como del plano actoral. Veo de positivo el hecho de que se pudo ver a Alejandro Alvariño como un director al mismo plano que los actores, y por lo tanto, totalmente al tanto del "paradigma" que representaba cada actuación para nosotros.
El del proyecto en sí destaco el esfuerzo y tiempo que llevó cada escena, esperando, por supuesto que el resultado final sea un fiel reflejo del esfuerzo que todo el cast puso en la película”


Valeria Bon Catalán En general cuando estás siendo dirigido, la mayoría de los directores quieren llevarte lo más parecido a lo que ellos se imaginaron. Lo interesante aquí es que Ale hace eso por supuesto, pero con la diferencia que te dejaba proponer, lo cual hacia que siempre fuese un trabajo en equipo para el mayor provecho de la escena en que estábamos trabajando. 
Alejandro es un director joven, pero desde mi parecer tiene muy claro lo que quiere y es muy fácil entenderlo, por lo tanto la fluidez con que trabajábamos era bien interesante, ya que a partir de ahí surgen diferentes situaciones que alimentan el trabajo en común como artistas.
El proyecto es muy interesante, ya que es un género no muy explotado aquí en Argentina, y Ale lo aborda desde una manera muy inteligente sin caer en lo burdo, cuidando cada detalle. 
Siendo un proyecto de bajo presupuesto, está filmado en excelentes locaciones que se adecuan perfectamente a la temática, brindándole esa atmósfera de misterio en la cual está escrito el guión. 
Por otro lado al llegar el día de filmación, se sentía una gran familia con los chicos de producción, lo cual es muy agradable hacer lo que te gusta y con gente que también está disfrutando eso”






Carla Vita “Me sentí muy bien dirigida. Sin lugar a dudas el director sabe lo que quiere y eso te llega. Tiene mucha garra y espíritu! se pone en el lugar del otro y transmite seguridad, eso es importante para el actor, ya que puede expresarse libremente dentro del marco lo que el director quiere mostrar. Destaco el profesionalismo, la convicción y la responsabilidad que tienen él y su equipo. Sería un gusto volver a trabajar con él”.
"Es un proyecto con mucho trabajo de fondo. Esta muy bueno! Tiene suspenso, terror, erotismo y por sobre todo tiene una historia fuerte, la trata de blancas. Será un gusto ver terminado lo que ahora es un diamante en bruto!"

Cámara: 
Sé que fue un gran equipo el que se encargo de las cámaras 
¿cómo han colaborado y han repartido el trabajo entre ustedes?

(Alejandro Alvariño)
Bueno, el tema de la cámara, algo que no cualquiera hace. Menos mal que encontré gente que sabe como manejarse a la hora de grabar y que entiende perfectamente lo que yo quería que hicieran. Son muchos los que estuvieron como cameramas. Nuestra Asistente de Dirección “Florencia Gonzalez” fue una de las seleccionadas. Cuando ella no podía trabajar en cámara  se buscaba a otra persona, en su caso “Marcelo José Gea”, que también aporto fotografía en la película. En otras ocasiones estuvo “Daniela Andón”, también maquilladora del film y productora del proyecto en sí. Cuando yo no actuaba, también me encargaba de la cámara.
Teníamos a otros refuerzos por si alguien no podía estar en cámara, ya sea por algún imprevisto o por el rol que debían hacer durante la jornada de trabajo.  En este caso los refuerzos fueron “Pablo Andón”, sonidista y parte gráfica del film; “Sergio Muro”, otro de los fotógrafos que vinieron al rodaje en varias ocasiones, “Melisa Cantero”, una compañera también realizadora de cine independiente, y por último “Bárbara Renati”, la fotógrafa que siempre esta con nosotros.



Fotografía: 
Cuál fue el mayor reto que tuvieron a la hora de iluminar la peli en cuánto a género se refiere?

(Alejandro Alvariño)
Fueron muchas las escenas que se grabaron en lugares oscuros. Habíamos empezado con una cámara MiniDv, que no tenía muchas opciones de manejo. Un tema técnico que nos complicaba muchísimo. A mi me gustaba grabar usando la luz del lugar en sí, sin agregar ningún farolito ni nada. Quería que se vieran escenas bien crudas, con buena calidad, si, pero darle ese toque interesante que hace que lo que se esta viendo realmente esta ocurriendo. Claro que también dependía de la escena en si. Si teníamos que grabar en un bosque de noche (que lo hicimos) debíamos llevar buena iluminación. Pero tampoco me preocupaba tanto en poner varias luces. La persona encargada de la fotografía que estaba en el momento, me decía y aseguraba el trabajo de la imagen. Eso nos ayudaba mucho.
Cuando la imagen hacia mucho ruido, principalmente cuando había poca luz, ahí comenzaba a preocuparme. Cosas que pasan y que necesitas que se trabajen correctamente, sino el material final no sirve. Bueno, es un poco obvio, pero he visto películas así, con calidad muy mala y a veces no se logra apreciar las actuaciones de los actores. Las expresiones en el rostro de los personajes son muy importantes y esta genial cuando las ves correctamente.


Arte: 
Esta área la encuentro particularmente difícil. Muchas veces se logra con mucho esfuerzo conseguir una locación, lo que no significa que este “preparada” para lo que es necesario en la película. Y muchas veces dar con los elementos que el director de arte y decoración tiene pensado no es tarea fácil. ¿Cómo a sido ese proceso en Doppelsauger?


(Daniela Andón)
En nuestro caso es simple porque trabajamos con locaciones que afortunadamente sirvieron a nuestro propósito estético. En locaciones cerradas y con decoración de interiores, previo hubo una reunión y se decidió el estilo. Fue ahí cuando, en mi caso, comenzó el proceso creativo y luego el desarrollo en la locación. Como dije anteriormente, está todo muy relacionado, el estilo es particular y creo que la gente lo descubrirá cuando vea la película.
Hicimos una investigación y nos empapamos de videos, imágenes y pudimos construir locaciones que estuvieran acordes con el mensaje de la historia.


Guión: 
¿cómo surgió la historia? Cómo fue el proceso en el que solo cuentan el papel y el lápiz, y cuánto tuvieron en cuenta en ese momento el tema monetario que encontrarían posteriormente.

(Daniela Andón)
Alejandro tenía un personaje en mente hacía tiempo y me pidió que desarrolle una historia de suspenso, misterio y algún toque especial, que no puedo revelar. Fue entonces cuando empecé a investigar cosas relacionadas y desarrolle un grupo de personajes, que hoy están en la historia, y un lazo en común entre ellos, luego, les escribí un pasado, una biografía y ahí surgió el argumento de Doppelsauger. A partir de eso, Ale y yo estuvimos largas horas, durante un largo tiempo, desarrollando el guión que hoy es la película.





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